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Portail sur la musique et les claviers modernes : piano, synthétiseur et orgue.

PÉDAGOGIE



LA SONORITÉ, TECHNIQUE PIANISTIQUE ET INTERPRÉTATION

La musique devrait faire partie de l'enseignement obligatoire au même titre que les maths, le français ou l'histoire. La musique et le sens musical devraient être indispensables à tout homme civilisé. Même les individus dépourvus d'oreille musicale devraient recevoir des notions rudimentaires de musique et avoir accès à l'apprentissage d'un instrument (pas forcément la flûte à bec ou le métallophone). La musique pour l'homme est une énergie libératrice où la pensée devient créatrice.


L'ENSEIGNEMENT ET LE MUSICIEN

Le piano est l'instrument le plus répandu et le plus populaire avec la guitare. Il est utilisé par des dizaines de millions de personnes. Il est sous les doigts des grands interprètes, l'instrument individuel le plus précieux et le plus difficile à manier qui soit. Si le premier groupe d'adeptes se chiffre par millions, force est de constater que le second se compte par dizaines. Pourquoi cela ?


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La planète compterait t-elle des millions de personnes incapables d'assimiler une connaissance, une technique ou une sensibilité adéquate ? Seraient-elles rebutées par un enseignement trop dirigiste ou trop scolaire ? La musique doit-elle être élitiste pour exister ?

Je ne le crois pas. Mais transmettre la musique dans son intégralité est très difficile, cela demande à l'enseignant une connaissance aboutie de l'instrument qu'il enseigne, mais également une connaissance de l'environnement direct ou indirect du monde musical qui l'entoure. De plus, s'il veut donner toutes les chances de réussite à son élève, une vigilance de chaque instant est nécessaire. Le travail par l'écoute doit être toujours très important.

Comment définir ce qu'est un musicien ? Est-ce un homme qui écrit des morceaux ou bien est-ce que ce sont la qualité des morceaux qu'il écrit qui font de lui un musicien ?

Devient-il pianiste ou guitariste en possédant une bonne technique ou bien c'est la technique qui fait de lui un instrumentiste confirmé ?
Non, c'est parce qu'il sait exprimer le son, le contenu poétique, qu'il sait utiliser l'harmonie, les lois de la musique et qu'il comprend le sens profond de la musique qu'il est un musicien.

Si la technique est indispensable au même niveau que la conception spirituelle, ceci explique pourquoi les grands interprètes (j'entends par-là… les interprètes virtuoses) travaillent inlassablement leurs instruments, jour après jour, en essayant de résoudre chaque nouveau problème qui se présente à eux. Celui qui a le génie, c'est celui qui en premier lieu a l'amour de l'effort.

Le musicien qui s'exprime devant un auditoire a besoin d'un contenu et pour l'exprimer il a recours à de la technique, toujours de la technique. Tout cela est aussi vieux que l'art. Le musicien est comme un orateur, son discours doit être profond, sincère et passionné. Il devient le propagateur de la musique qu'il interprète.


L'IMPORTANCE DES IMAGES

Les professeurs ont recours à des métaphores pour exprimer la façon de tirer de l'instrument la sonorité voulue. Implantation, grimper, profondeur sont des termes courus. Les pianistes parlent de leur clavier comme d'une matière que l'on peut modeler. Ces expressions sont utiles pour éveiller l'imagination des élèves. Jointes à une démonstration pratique, elles agissent sur son oreille et sur son toucher.

Le piano, comme beaucoup d'autres instruments n'est pas unique en lui-même, mais représente sous les doigts de l'instrumentiste plusieurs instruments, pour autant qu'il soit capable de faire surgir toutes les nuances de son jeu. Sur un piano, entendre la résonance du son, jusqu'à la dernière vibration de la corde offre une beauté sonore encore plus belle que son attaque. La création de la perspective sonore pour l'oreille peut-être comparée à celle de l'œil pour la peinture. Seuls diffèrent les organes physiques destinés à leur perception : l'ouïe et la vue. Le musicien interprète avec sa technique les phrases musicales, les silences, comme le peintre face à son tableau joue avec les perspectives, la rupture des tons et des couleurs.

Si le piano est sensuellement moins expressif et concret que la voix, le violon, le trombone ou la guitare, son caractère abstrait, son aspect mathématique lui confère un côté intellectuel qui lui permet d'embrasser les horizons musicaux les plus vastes, de la transcription pour flûte jusqu'au œuvres symphoniques. Avec et grâce à sa polyphonie, ce n'est pas un hasard si la plupart des grands compositeurs et arrangeurs sont des pianistes.

Comme le piano ne possède pas les qualités "charnelles" des autres instruments, l'interprète doit savoir animer par sa personnalité, la concrétisation de l'image sonore. En d'autres termes, le pianiste soliste est le chef d'orchestre (la tête) et les membres de l'orchestre (les doigts et les pieds). Il faut souvent demander l'impossible pour obtenir du piano tout ce qu'il peut donner.

L'EXPRÉSSION ET LA RELATION PERSONNELLE

La polyphonie est un moyen d'obtenir la variété du son. Sur un piano chaque doigt représente une sonorité soit accompagnatrice, soit mélodique. Les morceaux mélodiques doivent être étudiés de façon à faire "chanter" le piano. Il faut développer la force des doigts, le jeu de l'attaque pour exprimer avec netteté les passages rapides et techniques. À cela, s'ajoute la souplesse, c'est-à-dire la décontraction (pas la mollesse) allant du dos en passant par l'épaule et le bras jusqu'aux doigts… les doigts qui insufflent au pianiste la netteté de son jeu.

Cette relation mécanique entre la pulsion physique et le résultat sonore peut être vite comprise si le musicien possède une bonne oreille et une conception artistique juste. Cela sera encore plus vrai, s'il a conscience de la souplesse, de la liberté naturelle de son corps. Il pourra ainsi y consacrer le temps et l'énergie nécessaire afin d'obtenir un niveau pianistique optimum.

Le son est étroitement lié à la technique ; en effet, comment aborder la technique sans évoquer l'importance de la sonorité ? Et comment passer sous silence la façon d'obtenir la sonorité, si l'on ne comprend pas les tenants et aboutissants de la technique instrumentale. La sonorité et la technique sont les organisateurs du concept musical, ils sont les composants du jeu du piano mais aussi de tous les autres instruments.

Chaque musicien a sa propre palette sonore conduite par sa sensibilité personnelle. Je laisse souvent l'élève aller vers la sonorité, vers la découverte de son instrument, même si par maladresse, parfois, l'effet sonore qu'il recherche, échoue. Il prend ainsi conscience de son handicap ou de sa faiblesse. La musique a de juste qu'elle ne vous renvoie que ce que vous lui donnez, elle agit comme un miroir qui reflète ce que vous êtes. Elle ne vous ouvrira ses portes que si vous allez vers elle. Il n'existe pas de son en soi, pas plus qu'il n'existe d'expression ou d'interprétation en soi. C'est une fois de plus le travail, voire le sacrifice personnel qui sera à la base de la réussite, des ambitions de l'élève.


LE TRAVAIL SUR LE SON

Quand on évoque un pianiste en disant de lui qu'il a "un son extraordinaire", ce que nous croyons être une belle sonorité est en réalité l'expressivité de l'exécution, cela correspond à l'organisation des sons dans le déroulement d'exécution du morceau. Un pianiste doué d'un sens artistique moyen sera capable d'obtenir une belle sonorité que dans certains passages, jamais dans l'œuvre complète, c'est là que se situe la principale différence avec les grands pianistes.

Le son est le principal moyen d'expression mis à la disposition du musicien. Il est évident qu'être un bon interprète rime avec "qualité sonore". Chez un musicien créateur, la "qualité du son" est le résultat d'un sens étudié de la force et de la durée différente des sons. Un bonne interprétation ne peut s'obtenir qu'en travaillant sur l'œuvre, sur "sa musique" et ses éléments. Il est lié de façon indissoluble au travail de la technique.

Les différentes couleurs sonores chez un musicien s'expriment en fonction de son niveau artistique. Si celui-ci est bas, son tableau sonore sera banal et monotone. Devant des élèves de niveau moyen, respectant l'écriture de la partition, il est difficile de trouver de grandes différences d'interprétation, alors qu'en face d'un grand interprète nous sommes moins frappés par la précision et la dextérité du jeu que par la qualité du son.


À PROPOS DU JAZZ

Avec le piano, le son meurt doucement. Il est donc nécessaire d'enrichir la mélodie et parfois de façon exagérée. Dans la musique jazz, le discours mélodique se veut incisif. Le piano devient une percussion sous les doigts de l'interprète. Au début du jazz, la sonorité s'est construite autour de musiciens pour la plupart autodidacte. Le jeu à plat comme celui utilisé par Monk a contribué à la sonorité du piano "bop". Sans ces artistes créatifs, le jazz que nous écoutons aujourd'hui n'aurait pas le même charme. Je regrette seulement que l'enseignement du jazz, comme son approche artistique soit si souvent éloigné de ses origines. La part belle revenant à l'aspect technique et non pas à celui de l'instinctif.


REFERMONS LE CHAPITRE

Comprendre et reproduire les différentes nuances dynamiques est la condition essentielle pour créer une image sonore correcte, tout comme le son enveloppe les silences. Le but à atteindre étant un contrôle de la sonorité de chaque doigt des deux mains. Quand la main s'accorde intimement au mécanisme du piano, une symbiose totale s'accorde alors entre le clavier et les doigts.

Nous ne sommes pas tous naturellement égaux au départ. Chacun est différent par sa souplesse naturelle, sa force et sa morphologie. Il existe parfois des incompatibilités à vouloir jouer sur tel ou tel instrument, comme il existe des répertoires qu'il vaut mieux éviter pour ne pas s'y perdre. En prendre conscience, c'est cela le plus important.

  par ELIAN JOUGLA
(source : L'art du piano - Henrich Neuhaus)